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En este video os voy a hablar de una de las canciones actuales más polémicas de la escena musical española, se trata de "Novedades Viernes" de Dani Martín. Esta canción no solo ha llamado la atención por su estilo pop rock y su melodía pegadiza, sino que ha dado lugar a un intenso debate en las redes sociales, especialmente por las duras críticas que el cantante hace en la letra hacia ciertos estilos musicales como el reggaetón. ¿Qué mensaje intenta transmitir realmente Dani?, ¿es esta una crítica justificada y honesta?, ¿o simplemente utiliza esta tema en forma de estrategia de marketing?
"Novedades Viernes" se publicó el 29 de Noviembre de 2024, formando parte de su nuevo álbum El Último Día de Nuestras Vidas. "Novedades Viernes" destaca por su polémica letra incluyendo de manera clara, directa y rebelde una crítica en parte insultante hacia ciertos géneros musicales que suelen acaparar las listas de novedades musicales cada viernes. Cuando la escuché por primera vez, me hizo gracia porque yo años atrás también me sentí un poco así. Además me pareció muy pegadiza, y evidentemente también supe que iba a tener todo tipo de reacciones creando debate en redes sociales y medios.
Años atrás cuando comenzó a sonar el reguetón en España, recuerdo que cierto puntito le pillaba a ese ritmo repetitivo y esas curiosas voces con mensajes sexualizados, hablo de temas como "Papi chulo... (te traigo el mmmm...)" de Lorna, publicada en 2002. Una amiga se obsesionó con el estilo de esos temas y yo en parte algo lo disfrutaba... pero en seguida me fui posicionando en una perspectiva negativa, porque me rallaba demasiado que todo sonara igual durante cada canción de cada artista que salía... los vecinos, coches y fiestas sonaban siempre igual. Creí que sería una moda pasajera pero no fue así, más bien sigue dominando y teniendo éxito aunque con fusiones de otros estilos. Hoy en día, me sorprendo a mí misma por gustarme temas con ese ritmo de artistas como Selena Gómez, Rosalía o Lola Indigo, pero así es, por las melodías vocales o las instrumentales, algunos artistas y canciones SÍ consiguen gustarme.
Pero entiendo que pueda ser un ritmo insoportable porque es repetitivo y hace que muchas canciones se parezcan mucho o suenen igual. Por no hablar de que las temáticas en las letras también se repiten, y el autotune también es otra herramienta a la que me costó entrar. Actualmente, hay cosas que me gustan y cosas que no. Pero en resumen lo que quiero decir es que entiendo las opiniones o críticas de gente como Dani Martín, aunque no comparto la parte insultante pero pienso que ese "Iros a tomar por el culo" de el estribillo claramente es una manera de llamar la atención de un modo supuestamente "divertido y humorístico". Habrá quien se sienta ofendido, habrá quien lo comparta y se identifique, habrá quien lo insulte de vuelta. Pero al final, la música es una forma de expresar sentimientos y no todos tienen que ser positivos y buenos, ni todos tienen por qué resultarnos agradables.
Dani menciona a Bizarrap en la letra de la canción diciendo "Dueto con J Balvin que suene para radio y que lo haga Bizarrap". En mi opinión, Bizarrap es posiblemente el mejor productor musical de estilo urbano que existe en la actualidad a nivel mundial. Cada instrumental suena tan perfecta, con tanta calidad y además logrando sorprender en cada una de ellas. También logrando encajar con la personalidad y estilo de cada artista. Pero es un nombre super popular que ha sonado muchísimo, lo ha petado y sigue petándolo, por lo que entiendo que recurra a él en la letra.
Precisamente Bizarrapy también artistas como Rosalía, han hecho con estilos urbanos cosas creativas y originales. Rosalía concretamente ha deformado el reguetón, ha hecho lo que le ha dado la gana siempre, pero hay que sumergirse y explorar bien su trabajo para conocerlo realmente. Sus colaboraciones, sus discos, sus canciones, sus letras, sus actuaciones, conciertos, videoclips... todo su mundo artístico está repleto de detalles creativos, pero ha tenido la suerte de tener mucho éxito y de aparecer en todas partes. Llamar la atención de artistas como Björk, una de las artistas más innovadoras a nivel mundial, no es fácil y Rosalía lo ha hecho, por ello quiso colaborar con ella para la canción"Oval".
Por lo que, se podría considerar válida la crítica de Dani Martín hacia el reguetón? El reguetón, aunque ha evolucionado desde sus inicios en Puerto Rico y Colombia, sigue siendo un género que, en muchas ocasiones, parece reciclar las mismas bases sonoras. Los beats, las letras repetitivas sobre fiesta y sexo. En este sentido, Dani tiene razón en señalar que hay una cierta repetición de fórmulas.
Pero aparte de lo ya mencionado, artistas como por ejemplo, Bad Bunny han intentado también fusionar estilos y sonidos, mezclando con géneros como el trap, el rock y la música electrónica. En ese sentido la crítica de Dani no podría considerarse válida aunque sí es válida en cuanto a la percepción de que en el reguetón muchas veces se suele apostar por las fórmulas conocidas, van a por lo seguro y a por el éxito, sin arriesgar. Es cierto que se hicieron y se hacen también temas como churros sonando similares.
Por otro lado, el sonido pop rock de El Canto del Loco o del propio Dani Martín en solitario, no sonaba ni suena como una exploración de nuevos sonidos ni ha arriesgado fusionando con otros géneros. Aún así, eso no quiere decir, que otros estilos musicales también se repitan.
Tal vez "Novedades Viernes" no sea más que una estrategia de marketing. Es evidente que al hacer una crítica tan directa a un género tan masivo como el reggaetón, ha logrado posicionar su canción y su disco en la conversación pública. No hay que olvidar que el mundo de la música es todo un negocio, y las polémicas logran llamar la atención y con ello vender más.
"Novedades Viernes" también podría tomarse como una crítica a la inmediatez de la industria musical, por priorizar lo comercial por encima de la creatividad o la innovación. Dani en algunas declaraciones explicó que no está en contra del reguetón que le gusta el "buen reguetón" destacando a artistas como Calle 13, Residente, Ozuna...
Lo que está claro es que nunca sabremos si realmente Dani lo ha hecho para criticar el reguetón de una forma honesta o solo ha sabido aprovechar la oportunidad para hacer ruido.
Sea por un motivo o por otro, nos guste o no es libre de hacerlo. Ahora está en nuestras manos el consumir el producto o no consumirlo.
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"The Hole" se trata de un thriller psicológico británico, que se estrenó en 2001 y que está inspirado en la novela "After The Hole" escrita por el autor británico Guy Burt cuando solo tenía 17 años y fue publicada en 1993. La novela relata la historia de un grupo de estudiantes de una escuela británica que se encuentran atrapados en un búnker subterráneo, supuestamente encerrados por un compañero de clase trastornado y sociópata.
El director de la película, Nick Hamm, dijo al respecto de la novela que era muy cautivadora y que trataba sobre la desintegración emocional de un grupo de personajes que están encerrados en un sótano y no pueden salir. Trataba sobre una broma, un momento divertido que sale terriblemente mal. También dijo lo siguiente: "Hay algo de 'El señor de las moscas' en la novela, ver a un grupo de personas desintegrarse, algo que se refleja en todo el asunto de Gran Hermano y Supervivientes. Y trataba sobre un grupo de adolescentes. Guy Burt tenía diecisiete años cuando lo escribió, así que olía a autenticidad".
Nick Hamm también habló sobre la adolescencia: "Los adolescentes me fascinan. Los jóvenes de entre 16 y 20 años tienen una arrogancia que les hace creer que pueden hacer cualquier cosa. Los adolescentes desprecian a todos los adultos, porque los adultos no los entienden y nunca lo harán, así que no tiene sentido siquiera iniciar un diálogo significativo con ellos. Fue la arrogancia especial de la adolescencia lo que siempre me cautivó".
La película la vi por primera vez en el cine y luego alquilada. La historia consiguió obsesionarme, enamorándome de la excelente actuación de Thora Birch (Hocus Pocus, American Beauty, Ghost World) que hizo el papel de Liz en la película, siendo la gran protagonista de la historia.
Además, también me enganchó la espeluznante banda sonora realizada por el que se convirtió en mi compositor favorito, Clint Mansell, cuyo mejor amigo es "Darren Aronofsky (director de películas como: "Pi, Fe En El Caos", Requiem For A Dream, El Cisne Negro o La Ballena) y con quien ha trabajado realizando la banda sonora de la mayoría de sus películas.
Nick Hamm conoció a Ben Court y Caroline Ip, unos escritores recién salidos de la Escuela de Cine, fanáticos del terror adolescente que dieron un enfoque nuevo para la historia de la película. Incluyeron nuevos personajes, introdujeron flashbacks y agregaron una segunda versión de los eventos que sucedieron en el búnker, siendo la primera versión el resultado de la imaginación traumatizada de Liz y la segunda una realidad aterradora.
Caroline explicó: "Lo único que tomamos del libro original fue la premisa de que un grupo de adolescentes se queda encerrado en un búnker y sólo hay un superviviente, eso y algunos de los nombres". "Lo que ocurre en el agujero, los personajes, sus motivaciones... todo es invención nuestra. El libro termina diciendo que Liz es la única superviviente, pero no dice cómo murió nadie ni qué ocurrió realmente. Pensamos que sería divertido adaptar la novela precisamente porque planteaba un gran misterio y no respondía a ninguna pregunta".
Al respecto del trabajo de los nuevos escritores del guion Nick Hamm contó: "Lo más inteligente del enfoque de Caroline y Ben fue que se centraron en Liz", "Cuando emerge, está tan traumatizada por la experiencia que se niega a aceptarla, no puede enfrentarse a las cosas terribles que sucedieron en el agujero. Así que se convierte en un testigo poco fiable. Comienza a contar la historia, pero a mitad de camino nos damos cuenta de que ha bloqueado la verdad, no puede lidiar con ella. Cuando surge la verdadera historia, es aún más aterrador".
También Nick Hamm destacó lo siguiente: "Caroline y Ben también introdujeron el tema de la obsesión en la película", "La obsesión de Liz por Mike, la obsesión de Martin por Liz, la fascinación obsesiva de Philippa por Liz... todo esto intensificó la dimensión psicológica de la historia".
A finales de 1999 Nick Hamm comenzó a buscar a alguien para el papel de Liz. Tras trabajar con Thora Birch en Los Ángeles se dio cuenta de que había encontrado a su Liz opinando lo siguiente: "Thora es increíble", "Puede decir la verdad y la mentira al mismo tiempo; hay una dualidad en ella y siempre hay dos formas de leer lo que hace. Esa ambigüedad es muy difícil de lograr. Hay una brillantez minimalista en su trabajo y es muy consciente de cómo manipular la cámara. Liz es inglesa, pero no teníamos dudas de que Thora sería capaz de imitar el acento, a pesar de que es un papel emocionalmente exigente".
Thora Birch era muy consciente de que revelar demasiado comprometería la película y su intriga. La actriz contó al respecto de su papel: "Nunca había hecho un thriller psicológico, así que era un género nuevo para mí y eso me atraía". "Pero fue el personaje lo que me atrajo de la película. Liz es varias personas diferentes al mismo tiempo. La primera Liz que conocemos es la Liz traumatizada que acaba de sobrevivir a un terrible incidente y está casi en coma. Luego nos presentan a la Liz del flashback: inocente, santurrona, introvertida, tímida, vestida con sensatez, toda una bebé. Al mismo tiempo, vemos a Liz comportarse con Philippa, y nuevamente hay algo que no encaja del todo allí. Después de eso, Liz se va a casa y hay indicios de que aparece otra chica más perturbada, y esas fueron las más difíciles de interpretar porque tuve que estar muy atenta a cuánto revelar. Y luego está la Liz real".
"Fue un desafío diario". "¿Cuánto le contamos al público? ¿Hasta dónde llegamos? Esas eran las preguntas que Nick y yo nos hacíamos. Todo el rodaje fue un diálogo continuo con Nick y eso fue muy emocionante. Fue un verdadero desafío, porque el personaje cambiaba constantemente. Al final, creo que Liz está tan confundida consigo misma como nosotros".
Thora incluso dedicó un tiempo a investigar y llegó a visitar una escuela pública británica para familiarizarse para el papel. Al respecto contó: "Tuve la sensación de que a los niños de allí les encanta la idea de ser malos, pero en su mayoría son buenos, en comparación con la mayoría de los niños estadounidenses. Los adolescentes de todo el mundo son bastante similares, así que no fue demasiado difícil meterse en la cabeza de una adolescente inglesa de dieciséis años".
Debido a la popularidad de Thora Birch tras su actuación en American Beauty (1999), muchas compañías financieras británicas se interesaron por el proyecto. Tras contactar con Pathé Pictures, a principios del verano del 2000 comenzaron con la preproducción.
El equipo se puso como objetivo encontrar en los otros tres actores a jóvenes que pudieran competir con el talentazo y el carisma de Thora Birch. Nueve meses después de iniciar la búsqueda por fin encontraron a los 3 actores que acompañarían a Thora Birch en la película: Desmond Harrington como Mike, Laurence Fox como Geoff y Keira Knightley como Frankie, quien aún no tenía la fama actual y tenía unos 15 o 16 años cuando rodó la escena en la que enseñaba sus pechos. El papel de Keira como Frankie fue su primer papel importante ya que antes solo había interpretado pequeños papeles en las películas de Días Felices de 1995 y Star Wars Episodio I: La Amenaza Fantasma de 1999. Al respecto del personaje de Frankie la propia Keira Knightley contó: "Frankie es una verdadera zorra, así que fue fantástico interpretarla", "Es chispeante, divertida y testaruda. En la primera versión, es más una caricatura, en la segunda, más dura y más picante; mucho más del siglo XXI, supongo. Voy a una escuela integral, así que no tengo ni idea de cómo son las chicas como Frankie, pero estaba claro en el guion qué tipo de chica es. Interpretar las escenas en el agujero real fue muy exigente; nos mantuvimos en el personaje entre tomas, así que realmente nos sentimos como si estuviéramos atrapadas allí; y el escenario era terriblemente evocador".
Por otro lado, Laurence Fox explicó sobre su papel: "El verdadero Geoff fuma marihuana y tiene un tono más duro. Es el tipo de persona que necesita a alguien como Mike para que le dé confianza y, a cambio, lo proteja de cualquiera que ofenda. Fui a Harrow, así que estoy muy familiarizado con este tipo de chicos. De hecho, ¡Geoff es el tipo de chico que solía pegarme! Conociendo ese tipo de entorno, hay algo en esta película que es muy creíble, la idea de cuatro chicos encerrados en un búnker oculto y eso es lo que la hace aún más aterradora". Mientras que en la versión fantasiosa de Liz, Geoff es un capitán de rugby bien intencionado, bondadoso y un poco torpe".
Por último Desmond Harrington también opinó sobre su papel como Mike en la película: "Hay muy pocas películas para adolescentes que tengan un diálogo tan auténtico. Y para personajes adolescentes. Mike está muy bien dibujado. Es el chico cool, el hijo de una estrella de rock estadounidense que es descarado, ingenioso y agudo. Se siente como un extraño y es su ingenio lo que lo hace salir adelante, y el hecho de que su mejor amigo es Geoff, con quien nadie se mete".
"Esa es la primera versión de Mike. El Mike real tiene un barniz mucho más profundo de arrogancia, es más sarcástico y amargado y realmente no le importa mucho nada. Fue genial trabajar con Nick; realmente nos dio espacio y fue muy receptivo a las sugerencias, supongo que porque en cierto modo estamos más cerca del material que él".
Para el papelón de Martin encontraron a Daniel Brocklebank y Embeth Davidtz fue la escogida para interpretar a la Doctora Philippa.
Curiosamente el director de fotografía de The Hole fue Denis Crossan quien había trabajado en la película Sé lo que hicisteis el último verano de 1997.
The Hole se rodó durante seis semanas en localizaciones de Londres y al sur de Inglaterra, incluido el internado neogótico en el Downside School, cerca de Bath, y los estudios Bray en el norte de Londres, donde se construyeron dos versiones del búnker: la versión de fantasía y la versión real, mucho más oscuro y aterrador.
Nick Hamm explicó al respecto de las diferencias que se pueden encontrar en el aspecto del búnker: "Fue crucial que creyéramos en la primera versión fantástica del agujero para que, cuando supiéramos lo que realmente sucedió, nos sintiéramos muy sorprendidos". "La versión fantástica es la de Enid Blyton, sobre cocinar salchichas al fuego y contar historias de fantasmas. La versión real es más parecida a Marilyn Manson, sobre tomar drogas, emborracharse y tener sexo. La primera es mucho más brillante, con planos más amplios y lentes ligeramente más amplios. La segunda tiene ángulos bajos, encuadres más afilados y rincones oscuros".
Denis Crossan, el director de fotografía explicó sobre la parte visual: "Decidimos que ambas versiones del agujero contendrían fuentes de luz que podrían haber estado abandonadas allí". "En la primera, queríamos dar la impresión de que el lugar había sido utilizado recientemente, por lo que utilizamos luces fluorescentes que se apagan gradualmente a medida que avanza la película, y luego linternas. En la segunda, queríamos un ambiente mucho más oscuro, por lo que pensamos en faros de automóviles que habrían estado abandonados allí. Estos emiten una luz de tungsteno y cuando se apagan, utilizamos principalmente velas. Hizo que el segundo agujero fuera un lugar mucho más oscuro y amenazador".
"También utilizamos diferentes tipos de película para conseguir un aspecto más desaturado en el segundo agujero". "Para la primera, utilizamos una película normal y corriente, y para la segunda, una película de bajo contraste que hace que los colores sean más apagados. Era importante no hacer la diferencia demasiado extrema porque puede llegar a distraer, así que utilizamos un filtro negro que da una ligera difusión sin afectar a las zonas negras y, por tanto, mantiene un contraste tonal. También evitamos los colores brillantes para darle un aspecto monocromático. El único momento en el que hay colores brillantes es cuando los niños salen del agujero al final de la primera versión de la historia. En ese momento, aumentamos el color para que fuera muy soleado y brillante y reflejara el optimismo de la escena".
Denis Crossan utilizó la cámara en mano y la steadicam para filmar las dos versiones del búnker pero utilizó un enfoque más atrevido para las primeras escenas. Más concretamente Crossan explicó: "Cuando Liz comienza a contar su versión de los hechos y retrocedemos en el tiempo hasta su versión de la escuela, decidimos que la cámara debía permanecer lo más cerca posible de Liz. Estábamos filmando en Super 35, que proporciona un encuadre amplio, así que colocamos la cámara detrás de la cabeza de Liz, lo que nos permitió mantenerla dentro del encuadre y mirar por encima de su hombro los hechos que está describiendo. Esto significa que el público siempre está con ella, pero no puede ver su rostro. Eso contribuye al enigma de la historia".
La diseñadora de producción Eve Stewart contó que tenía instrucciones precisas de crear un entorno real explicando lo siguiente: "Nick fue muy claro en que la historia solo funcionaría si todo era completamente auténtico. No había lugar para la suspensión de la incredulidad. Ambas versiones, tanto del agujero como de la escuela, tenían que ser realistas. Si la primera versión era demasiado exagerada, el público se daría cuenta de que había algo raro".
Nick y Stewart pasaron varias semanas investigando y buscando inspirarse en estaciones de metro, sótanos subterráneos o tanques de agua hasta que Stewart tuvo la idea de un búnker de la Segunda Guerra Mundial. Al respecto Stewart contó: "El ejército solía utilizar escuelas como cuartel general durante la guerra, por lo que la idea de un búnker abandonado era muy creíble. Decidí que una forma circular funcionaría mejor no solo estéticamente sino también para Nick porque, como director de teatro, está acostumbrado a trabajar en un espacio redondo. A partir de ahí, hice varios modelos y opté por el espacio hexagonal".
Stewart explicó sobre el diseño del búnker: "La versión de fantasía es un poco más grande y más clara, no está tan sucia ni abandonada, es una versión más limpia de la realidad. La segunda versión es más pequeña y más sucia y se desintegra rápidamente a medida que la comida comienza a pudrirse y los baños comienzan a oler. Se convierte en un agujero infernal".
Por otro lado, Stewart tuvo que hablar con forenses para saber cuáles serían los efectos de tener un cadáver en un espacio cerrado explicando: "Un cadáver comienza a descomponerse y se convierte en un caldo de cultivo para las moscas. Así que tuvimos que cultivar 10.000 moscardones en circunstancias controladas para que no representaran una amenaza para la salud de nuestro elenco. Solo sobreviven durante diez días, así que tuvimos que calcular el momento justo para traerlos al set en Bray. Afortunadamente, todo salió como un reloj".
En cuanto a las demás localizaciones de la película, Stewart contó que fue difícil encontrar el edificio adecuado para la escuela ficticia Brabourne: "Tenía que decir que era una institución británica y adinerada, pero muchas de las escuelas a las que preguntamos no nos podían acoger". Terminarían incluyendo el internado Downside situado cerca de Bath, un enorme edificio victoriano. Al respecto Stewart dijo: "Afortunadamente, Downside tiene exactamente el aspecto que queríamos y la toma aérea al principio de la película realmente le hace justicia".
Finalmente la diseñadora explicó algunos detalles sobre las demás localizaciones de la película: "Hay muchas instituciones en la película: la escuela, los hospitales en los que Liz pasa tiempo, la comisaría de policía... y queríamos dar la sensación de que Liz se siente abrumada por estos símbolos de autoridad. Por eso, la mayoría de las localizaciones son remotas y aisladas. También le dimos ese tono a los interiores. Por ejemplo, para la escena del examen justo después de que la encuentran, construimos una habitación de hospital en los estudios Bray que es muy blanca y estéril, a la que Denis le dio un aspecto duro, casi neón. Y los pasillos de la escuela al principio están muy despojados con una paleta de colores controlada".
Los personajes de la historia son cuatro estudiantes de un internado que quieren evitar tener que ir a una excursión en Gales.
Liz interpretado por Thora Birch, Frances (Frankie) interpretado por Keira Knightley, Geoff interpretado por Laurence Fox y Mike interpretado por Desmond Harrington.
Para escapar de dicha excursión Liz habla con su "amigo" Martyn (Daniel Brocklebank) el cual está muy colado por ella desde la infancia (o eso nos dan a entender), para que le deje las llaves de un búnker subterráneo en el que estarían solos los 4, escondidos de todo el mundo y así, podría intentar llamar la atención y enamorar a Mike, por quien Liz está locamente obsesionada.
Sin olvidar mencionar a la Doctora Philippa (Embeth Davidtz) que se encarga de conocer la verdadera historia de lo sucedido a estos 4 estudiantes, indagando en la mentalidad trastornada de Liz.
Durante la película existe paranoia y alucinaciones, por parte de Liz. Existen flashbacks y diferentes perspectivas de lo sucedido por parte de Liz y Martin. Tienen lugar escenas sensuales y de sexo, toques de humor en los diálogos, celos, muertes, asesinatos, algún que otro susto, sorpresas y un final realmente plausible, que te deja con sensaciones de impotencia al empatizar con la Doctora Philippa que es la única conocedora de la realidad y no puede hacer nada al respecto. Y por otro lado consigue dejarte con una espeluznante sensación al ver ese cruce de miradas al final de la película, que hablan por si solas, entre la Doctora Philippa y Liz.
Me enganchó tanto la película ya no solo por la trama y sus giros sorprendentes o por la excelente interpretación de Thora Birch sino también por su banda sonora. Por ello me compré el DVD y conseguí pillarme por internet el CD con las canciones que sonaban en la película. Sin embargo, había una canción que no se incluye en ese disco y suena hacia el minuto 16 del metraje, la cual cautivó a algunas personas entre las que me incluyo y nos tuvo buscándola durante años a través de internet. Entre súplicas y búsquedas alguien logró descubrir que se trataba de un tema inédito titulado "Alive" del propio compositor de la banda sonora, Clint Mansell. Él mismo contestó a un fan desesperado en 2015 por Twitter diciéndole el título y que contaba con la voz de Claudia Sarne y la guitarra de Danny Lohner, quien ha trabajado con Nine Inch Nails, Marilyn Manson o A Perfect Circle. Alguien subió una versión a Youtube, pero no existe una publicación oficial de ese tema.
Además de ese gran tema principal de Clint Mansell, el álbum que contiene las canciones de otros artistas que suenan durante la película me encantan (destaco algunos momentos que recuerdo con algunas de las canciones):
"SHOW ME THE MONEY" de ARCHITECHS suena en la escena de la habitación rosada, en un momento femenino, cuando Liz va a pedirle consejo y ayuda a Frankie por haberse echado agua oxigenada en el pelo, para intentar ser rubia como Amber (la ex-novia de Mike) pretendiendo así, captar la atención de Mike.
"READY TO ROLL" de RAE AND CHRISTIAN suena cuando están Geoff y Mike de jugueteos sexuales con Frankie y Liz les corta el rollo, dándole un golpe en la cabeza a Mike.
"JEZEBEL (INSTRUMENTAL)" de RECOIL suena en una de mis escenas favoritas, cuando por fin parece que van a tener sexo Liz y Mike, un tema perfecto para una escena caliente.
"WE'RE WATCHING YOU" de PORN KINGS suena en la escena que están de fiesta, bailando, fumando y bebiendo.
"WE LUV U" de GRAND THEFT AUDIO suena cuando están recién entrados al búnker y hacen el tonto los chicos, Geoff y Mike gritando y jugando entre ellos con unos focos de luz.
"MAIN THEME" de CLINT MANSELL nada más comenzar a aparecer los créditos, suena el ambiente de este tema, los golpes bajos y aterradores, al comienzo de la peli y después cuando Liz responde con un grito por teléfono a la llamada que realiza a urgencias. En ese momento entra de lleno este gran tema, justo después de que aparezca el título de la película. También suena al final de la película, se pueden escuchar esos soniditos escalofriantes con la presentación de los créditos finales con la iluminación de focos mostrando los créditos, como queriendo reflejar la sensación de estar dentro del búnker a oscuras.
ESCENAS Y FRASES QUE ME HAN GUSTADO O HECHO GRACIA:
Geoff con respecto al equipaje "cómodo y práctico" que Frankie lleva para adentrarse en el búnker, bromea entonando como si fuera alguien del servicio, diciendo mientras recoge y mete la maleta:
-"Haré que le lleven el equipaje a la habitación".
Cuando están esperando todos por Liz, se oye ruido de cacharros y se ve a Liz cargada de mochila y cazos colgados a los lados y Mike bromeando dice:
- "¿Vuelves del Himalaya?".
En una escena en la que están sentados en círculo y con unas velas al rededor, están contando historias de miedo, leyendas... y Geoff dice:
- "Yo me sé una historia, que te cagas en las bragas, a Martyn le pasa algo y no vuelve a por nosotros".
El debate entre creer en las tentaciones del destino o ser cienciólogo, es un diálogo corto, pero intenso e interesante, que a su vez da escalofríos, si verdaderamente te planteas la posibilidad de ser abandonado en un búnker y que nadie sepa donde estás.
La escena en que Liz le cuenta a la Doctora Philippa su forma de amar a Mike, entre otras cosas dice:
- "¿Alguna vez has amado a alguien, hasta el punto en que nada de lo que pase te importe?"
- "Estar con él es suficiente"
Mike le dice entre llanto y gritos a Liz tras descubrir que ella ha tenido la llave para salir del búnker todo el tiempo:
- "¡¡He matado a mi mejor amigo, por una puta coca-cola!! ¡¡Me has hecho creer que iba a morir!! ¡¡Cogiste de la mano a Frankie y la dejaste morir!! ¡¡Eres una hija de puta!!".
Destacable la escena en la que se ponen a realizar una especie de teatro entre ellos, porque creen que son vigilados por Martin a través de unos micrófonos que supuestamente hay colocados en el búnker, para lograr hacer creer a Martin que Liz se ha dado cuenta de que es inútil estar enamorada de Mike. Por ello los 4 tratan de fingir diálogos mostrándose carteles para saber qué decir y así hacer creer a Martin que Liz y Mike se odian, creyendo que así serían liberados. Esa escena aparece mientras Liz cuenta su versión fantasiosa de lo que pasó en el búnker, lo cuenta como un momento cómico, pero luego, cuando se descubre lo que realmente pasó resulta que ocurren las mismas cosas que fingieron en ese momento cómico, como Frankie enfermándose y vomitando o todos uniéndose en contra de Liz.
También destacable el momento susto en casa de Liz por la aparición repentina de Martin y la persecución de Martyn a Liz. Los diálogos entre los policías y por otro lado entre Liz y la Doctora Philippa dando lugar al descubrimiento del suicidio asesinato de Martin y la escena mostrando el cuerpo y la llave en la mano de Martin.
El personaje de Martin también me parece un papelón, y me gusta sobre todo su forma de relatar a la policía cómo era verdaderamente Liz, entre otras cosas dice:
- "Sabía que estaba mal de la cabeza pero no que fuera tan sádica".
Por último os voy a contar algunos detalles y curiosidades sobre la película.
Existe un final alternativo en el que se ve a Liz de rubia un año después en algún lugar con ordenadores y libros, tal vez un nuevo colegio o una biblioteca, donde la vemos sonreír al ver a un chico a su lado, dando a entender que podría ser su nueva obsesión.
También existen varias escenas eliminadas como una en la que la doctora Philippa tras haber hablado con Liz en el hospital se retira viendo desde la ventana a Liz sonriéndole mientras accidentalmente deja la cámara funcionando y la cinta muestra a Liz perdiendo su sonrisa mientras se alejaba de la ventana e insulta a Philippa.
Obviamente considero que está bien retirada la escena porque nos mostraría demasiado pronto la verdadera personalidad de Liz.
Cuando los cuatro estudiantes ven por primera vez el búnker a través de su puerta se ve por detrás de los chicos un poco de sol colándose entre los árboles de atrás y quedó un plano perfecto que surgió de casualidad.
Al principio cuando Liz está en el médico y la examinan vemos cómo grita con la boca cerrada. Supuestamente el director comentó al respecto que la llave del búnker la mantuvo en su boca hasta que recibe la visita por primera vez de la doctora Philippa.
En el búnker hay una escena en la que Liz despierta por la noche y enfoca con una luz a Geoff, Frankie y Mike mientras duermen y resulta que los ve durmiendo en unas posiciones similares a como después morirían. Esos pequeños detalles ocultos hacen que la película sea todavía más interesante, curiosa, misteriosa y psicológica de lo que aparentemente es.
Por todo lo que os he contado siempre será una de mis películas favoritas.
Aquí tenéis en versión video todo lo escrito en esta entrada
Bambie Ray Robinson, conocide artísticamente como Bambie Thug, es cantautore irlandés. Nació en Macroom, condado de Cork, un sitio rural en el que "todo el mundo sabe todo sobre ti". Tiene tres hermanas, su padre es sueco y su madre es de Cork. Bambie se identifica como persona no binaria al igual que Nemo, representante de Suiza en Eurovisión 2024. De niña le diagnosticaron TDAH (Trastorno por Déficit de Atención con Hiperactividad).
Bambie practica brujería neopagana, particularmente magia de sigilos y manifestación.
Bambie contó al respecto del tema de la brujería lo siguiente:
"Irlanda es un lugar inherentemente mágico. Vivir así es un regalo para tu imaginación. Cuando me mudé a Muswell Hill después de la universidad, me hice amiga de un grupo de brujas. Me acogieron bajo su protección en un momento en el que me sentía perdido. Meditábamos juntos y me presentaron los cristales. Ese tiempo volvió a despertar la espiritualidad y el misticismo que perdí cuando era joven en los confines de las ciudades concretas. Siempre anhelo árboles, pasto y un jardín".
Estudió secundaria en la escuela St Mary's, Charleville y fue miembro del coro de la escuela, ayudando a que su escuela ganara el concurso de coros de escuelas de toda Irlanda.
Un representante de su escuela dijo a los medios irlandeses lo siguiente:
"Bambie, era una estudiante excepcionalmente creativa, tenía mucho talento musical y desempeñó el papel principal en la producción de la escuela de "Sound of Music", cuando estaban en el año de transición. Estamos sumamente orgullosos del tremendo éxito de Bambie".
Bambie en Macroom solía imaginar que estaba en El Señor de los Anillos, hacía pociones y hablaba con los árboles. Comenzó asistiendo a pequeñas escuelas de danza en Macroom y terminó haciendo ballet en Cork. Estudió danza en Coláiste Stiofáin Naofa y estuvo dos años en el Cork City Ballet.
Después Bambie se mudó a Londres tras obtener una beca parcial de danza y teatro musical en la Academia Urdang de Londres. Durante dos años aprendió de manera autodidacta a componer canciones pop en casa y luego empezó a hacer improvisaciones.
Estuvo trabajando con una agencia de desarrollo de talentos pero tuvo que dejarlo porque querían que hiciera un estilo más "bubblegum pop" (pop chicle). En sus inicios musicales tuvo que intentar adaptarse a ser "una chica bonita", con "una voz bonita", pero no quería ser solo eso, quería hacer cosas como rapear, gritar... hacer de todo. Bambie adora todo lo oscuro, el terror, la cultura gótica, la brujería...
Comenzó de manera independiente su proyecto como Bambie Thug, conociendo a gente que respetaba y valoraba su trabajo, llegando a ser aclamade y difundide por la BBC en el Reino Unido. En sus propias palabras, para elle escribir canciones supone:
“Cien por ciento siempre es como una catarsis para mí. Para mí, escribir canciones es una forma de llevar un diario y tengo muchos diarios a lo largo de mi vida, que era mi única forma de descifrar mi cerebro o abordar las cosas que me han sucedido o los sentimientos. Estoy bendecido por eso. Es una forma divertida de navegar por mi mente”.
En 2020 Bambie colaboró con fika y Fabich en la canción "Mean". Su primer single oficial "Birthday" lo publicó en 2021, la escribió mientras tenía adicción a las drogas, lo cual se refleja en la letra del tema. Su vídeo musical sin censura fue compartido en sitios de pornografía. Al respecto del polémico tema "Birthday" Bambie explicó lo siguiente:
“Ya no presento "Birthday". Es una canción sobre el consumo de drogas, que escribí cuando tomaba demasiadas drogas y pensé que era genial. No quiero hacer alarde de eso ante la gente”.
En 2021 también publicó "Psilocyber", una canción que trata sobre un virus informático psicodélico, "PMP" que promueve la positividad sexual y el amor de Bambie por el "pussy power" (poder de la vágina) y "High Romancy".
En 2022 publicó el tema "Merry Christmas Baby" tras una ruptura de una relación tóxica que tuvo desde la temporada navideña de 2021.
En 2023 publicó el tema "Egregore" que trata sobre el deseo de Bambie de romper con los hábitos autodestructivos como artista independiente. En octubre de 2023 publicó el EP Cathexis, publicando los singles "Careless" y "Last Summer (I Know What You Did)" (título que parece ser un guiño a la película "Sé lo que hicísteis el último verano"). Según contó Bambie, el EP inspirado en el amor que siente por el teatro musical se centra en Bambie siendo criaturas y personajes, los cuales son a veces una especie de armadura.
Bambie ha descrito su sonido como hiperpunk avant electro-pop, grit pop o rot, llegando a crear de manera original, su propia definición perfecta "ouija pop".
En la preselección irlandesa "Eurosong 2024" que tiene lugar en el plató del programa irlandés The Late Late Show resultó ganadora Bambie Thug con la canción "Doomsday Blue", la cual está incluida en el EP Cathexis.
Bambie Thug dijo haberse presentado con "Doomsday Blue" para ir a Eurovisión con el objetivo de "maldecir" sus recuerdos traumáticos de haber sido agredida sexualmente.
Bambie dijo al respecto de la letra de "Doomsday Blue":
“Quiero deshacerme, en mi propia visión del mundo, pero también en la visión del mundo exterior, de cosas como la transfobia o las personas que han sufrido agresión sexual". Agregando que se inspira en “Cualquier cosa negativa que me haya afectado. Tratando de maldecirme".
Bambie explicó que tras recibir un correo electrónico de Survivors UK confirmando que su caso estaba avanzando creyó que estaba preparade para hablar sobre ello.
El año 2023 fue muy bueno para su carrera artística pero también fue un año difícil por un estrés postraumático debido a traumas infantiles que se despertaron tras ser violade en mayo por alguien a quien llamaba amigo. Ocurrió 3 semanas antes de su presentación en en el Festival Download, siendo el momento más importante de su carrera hasta ahora. Por culpa de lo ocurrido, estuvo completamente disociade, enmascarade y no recuerda ni un segundo del concierto.
En una mentalidad positiva Bambie dijo:
“Continuaré derribando puertas, respaldándome, estableciendo límites y liderando con amor hasta que esté donde sé que debo estar y para siempre. Pero ya no protejo a las personas que me lastimaron, con mi silencio”.
La victoria de Bambie Thug en el Eurosong 2024 creó bastante revuelo en Irlanda y hubo gente que la etiquetó de satanista, al respecto de ese hecho Bambie contó:
"No practico nada más que brujería y el único Dios al que rezo es el universo en sus muchas formas, pero sí respeto a los satanistas y de los pocos que conozco viven en la luz y son muy amables. Creo que mucha gente toma demasiado literalmente las historias de las Escrituras que en realidad son sólo metáforas morales (al menos las buenas). La gente teme lo que no sabe, y muchas veces personas como yo provocan miedo en los demás porque en el fondo están celosos de la libertad en la que vivo. Les deseo a todos los que me odian amor y amabilidad, y espero que algún día puedan lograrlo. Experimentar verdadera compasión por ellos mismos y por los demás".
Por otro lado, la candidatura de Bambie Thug también recibió elogios y críticas positivas hasta por parte del propio Johnny Logan, el cantautor irlandés, doblemente ganador de Eurovisión (1980 y 1987) que ganó además una tercera vez como compositor (1992) y se le conoce por su faceta baladista, elogió la singularidad de la canción y las imágenes de la puesta en escena, admitiendo incluso que cree que podría ganar Eurovisión.
Para el video musical de "Doomsday Blue" Bambie y su hermana se inspiraron imaginando cómo sería un vídeo oscuro y brujo al estilo de Taylor Swift. Como concepto se trata de una bruja que harta de las malas relaciones que escribe en su Biblia en llamas decide lanzar un hechizo para crear un nuevo novio mejor, pero en lugar de un ser humano lo que aparece es una criatura extraña. Al igual que encontramos cambios radicales en el estilo musical del tema, con momentos oscuros y momentos coloridos, visualmente en el vídeo podemos ver por un lado un reino de brujas y por otro lado un mundo de sueños de colores dulces.
Bambie también quiso rendir homenaje a Barbie en el mundo de los sueños y creyó importante también incluir la bandera trans como paleta de colores. Hacia el final de la canción cuando tiene lugar esa parte más cañera y oscura, en el vídeo el mundo de los sueños se desmorona y la criatura al igual que cualquier relación tóxica, se vuelve contra ellos. Los mundos colisionan representando el engaño y la naturaleza abusiva de un romance terrible. También ese momento representa algo que suele ocurrir en nuestra mente, los pensamientos negativos sobre nosotros mismos y lo dañino que puede ser eso para nosotros. Al igual que para las personas queer que de forma rápida una situación puede volverse insegura.
En general en el vídeo, se encuentran referencias ocultas y divertidas que a Bambie, a su hermana y a la directora creativa Storm St. Claire se les ocurrió añadir: desde la película Hocus Pocus, la película Mean Girls, Barbie, Watermelons, la cantante Kate Bush, la película The Love Witch, el meme de Pedro Pascal y Nicolas Cage para "Make Your Own Kind of Music" hasta incluso la creación de Adán de Miguel Ángel.
Al principio la idea era más oscura pero decidieron suavizarlo, haciéndolo más accesible para el público en general, porque no querían asustar demasiado a ciertos padres irlandeses que se habían acercado a Bambie a decirle cuánto les gustaba a sus hijos "Doomsday Blue", por lo que hicieron a la criatura más amigable inspirándose en la película Donde viven los monstruos.
En cuanto al sonido de "Doomsday Blue" decir que consigue crear una atmósfera realmente tenebrosa y oscura en algunos momentos, sobre todo hacia el final. También sorprenden los cambios a momentos "azucarados y coloridos" y por supuesto la artista que me vino a la mente desde la primera vez que la escuché es Poppy.
Es una propuesta alternativa, diferente, especial... de esas que no dejan indiferente a nadie, que llaman la atención, que tiene su público y que no es accesible de primeras para todo el mundo, pero lo que tengo 100% asegurado es que Bambie se comerá el escenario de Eurovisión.
Aquí podéis ver en versión video todo lo escrito en esta entrada
Sara Briški Cirman, conocida artísticamente como Raiven (Cuervo), es cantante mezzosoprano, compositora y arpista. Sara siempre supo que iba a ser músico, de hecho, con solo 4 años se matriculó en una escuela de música y desde entonces siempre estuvo completamente inmersa en la música.
Al respecto de por qué escogió como nombre artístico Raiven contó lo siguiente: "Siempre he estado rodeada de pájaros y, de hecho, crecí con halcones, ya que mis padres y mi hermano son halconeros. Siempre los he encontrado algo misteriosos y mágicos, y cuando estaba eligiendo un nombre para mí, pensé en el cuervo, un pájaro que realmente admiro y espero tener uno algún día".
Comenzó sus estudios en la escuela de música Glasbena Matica y dio clases de arpa en la escuela de música de Liubliana. Continuó estudiando en el Conservatorio de Música y Ballet de Maribor, donde se centró en el arpa con el profesor Dalibor Bernatovič, en el canto de estilo jazz con Ana Bezjak y en el canto como solista con Leona Bašovič y Tina Bohak.
Ha sido reconocida en diversas ocasiones por sus logros musicales y ha recibido muchos premios. Obtuvo el primer lugar en el concurso internacional de arpa Antonio Salieri en Italia y consiguió una placa de oro en el concurso nacional de canto solista, Temsig.
Bajo el nombre artístico de Raiven comenzó a hacerse especialmente popular al participar en la preselección eslovena para Eurovisión, llamada EMA. Intentó por primera vez ir a Eurovisión, en 2016 con la canción "Črno bel" quedando en segundo lugar. En 2017 volvió a intentarlo y quedó tercera con la canción “Zažarim”. Por último, volvió a intentarlo en 2019 con el tema "KAOS" y quedó de nuevo segunda. Con sus tres participaciones en la preselección eslovena logró llamar la atención de los eurofans y finalmente conseguiría ir a Eurovisión en 2024 tras ser elegida de manera interna sin participar en una preselección televisada.
Raiven publicó su primer disco Magenta en 2017 y el EP REM en 2019. Magenta recibió el premio esloveno “Zlata Piščal”, otorgado por la Sociedad Cultural y Artística de Eslovenia.
En 2018 se graduó en la Academia de Música de Liubliana. También ese año interpretó como contralto solista la Spatzenmesse de Mozart con la Orquesta Barroca de la Academia de Música y el Gloria en re mayor de Vivaldi con la Filarmónica de Eslovenia.
En 2018 también debutó en el teatro interpretando a Cassandra en la producción SNG Nova Gorica de "Trojanke" ("Las Mujeres Troyanas"). Con esa obra de teatro realizó una gira por Chipre, Italia, Polonia y Croacia.
Sara dio inicio a su carrera operística en 2019, interpretando el papel de Doctora en la miniópera “Nepotrebna” de Iztok Kocen.
En 2020 actuó en la primera ópera tamburitza del mundo, “Ambrož y Katarina” (la tambura o tamburica es un instrumento folclórico de Europa central y oriental). Desde octubre de ese año pandémico, estudia psicoanálisis en la Universidad Sigmund Freud de Liubliana.
En 2021 Sara interpretó el papel de la anciana en la ópera “Candide” de L. Bernstein.
Obtuvo su maestría en canto solista y ópera. Por sus logros durante sus estudios académicos entre 2021 y 2022, la Academia de Música le otorgó el Premio Prešeren.
Para su tesis de maestría realizó un recital vocal y un ensayo sobre "El papel de Agrippina" en la ópera de GF Händel. Suele asistir a seminarios de canto organizados por cantantes de ópera reconocidos internacionalmente como Bernarda Fink, Vladka Oršanić, Janez Lotrič o José Cura.
En abril de 2021 se llevó el primer premio y logró quedar en tercer lugar en el concurso internacional de canto IMMCC 2020. En verano actuó con la Orquesta Barroca Eslovena. Interpretó el papel de Rosina en los conciertos del Barbero de Sevilla de Rossini. En octubre de 2021 acompañada por la Filarmónica de Malta, realizó un concierto de arias de ópera en el Teatro Astra de Malta, bajo la dirección de José Cura.
También en 2021 Raiven ganó con la canción "Volkovi" el festival Slovenska Popevka. Publicó el single "Habanera" (versión del aria "L'amour est un oiseau rebelle" de la ópera cómica Carmen del compositor francés Georges Bizet) que anticipaba el proyecto electro-ópera titulado Doloroso que presentaría en un concierto cuyas entradas se agotaron. Al empatizar con las historias de los protagonistas del arte operístico, Raiven creó una obra de arias, que actualizó con su trabajo original incluido en su primer disco Magenta y su EP REM, creando una experiencia musical completa donde el canto clásico y operístico se fusiona con el pop y la electrónica. Ese proyecto recibió el apoyo del Ministerio de Cultura de la República de Eslovenia. La canción "Habanera" se incluiría en el EP Sirene, Pt. 1 el cual también contaría con el tema eurovisivo "Veronika".
Ya en 2022 interpretó el papel principal en la ópera “Agrippina” de Handel en el Cankar Hall de Liubliana. También cantó en el concierto de clausura del Prague Opernfest en el Teatro Vinohrady de Praga. A la semana siguiente cantó con la orquesta de ópera albanesa en Tirana en el festival de ópera Maria Kraja.
En junio de 2022 actuó como solista con la Orquesta Sinfónica de RTV Eslovenia en el festival Imago en la Plaza del Congreso de Liubliana y en el Teatro Koper. En agosto, interpretó el papel de Urška en el musical original “Povodni mož” (“El hombre del agua”) en el Križanke durante el Festival de Liubliana. En septiembre cantó como solista en un concierto de la Orquesta Barroca Eslovena en Gornji Grad y al día siguiente en un concierto de canciones artísticas eslovenas en la Conferencia Glasbena Matica.
A finales de 2022 hizo su debut en el SNG Opera and Ballet Liubliana con el papel de Opinión Pública en “Orfeo en el inframundo” de Offenbach. Y también interpretó el papel del Ángel de la Paz en una representación en directo del Belén de la Cueva de Postoina.
En 2023 regresó a los escenarios de la Ópera de Liubliana interpretando el papel de Larina en la ópera “Eugene Onegin”. En 2024 interpretaría el papel principal de la ópera de tango “María de Buenos Aires”.
También en 2023 Raiven publicó el single "Ikona" que también se incluiría en el EP Sirene Pt. 1 publicado finalmente en 2024. El EP Sirene se basa en contar historias de mujeres icónicas de distintos períodos históricos. En Sirene Pt. 1 podemos encontrar las siguientes canciones con sus respectivas historias: "Ofelija", "Ikona" (con la colaboración de la cantante eslovena Helena Blagne), "Elektrino srce", "Habanera" y por último "Veronika", el tema eurovisivo.
La historia de "Veronika" trata sobre Veronika Deseniška, la primera eslovena acusada de brujería. Como mujer Raiven se identifica con ese sentimiento moderno de juicio y persecución por parte de la sociedad. La letra de la canción está íntegramente en esloveno y cuenta con una instrumental clásica con elementos electrónicos y Raiven aporta vocalmente partes líricas. Raiven contó que tenía muchas ganas de hacer una canción en esloveno, porque está contando la historia de una mujer eslovena y representando a Eslovenia, siendo muy consciente del entorno del que viene. Por lo que era muy importante para ella representar a su país de una manera que la inspirara.
Veronika era una condesa de Celje (ciudad eslovena), fue la segunda esposa del conde Federico II y falleció el 17 de octubre de 1945. El padre de Federico II, Hermann II, se oponía al matrimonio de su hijo con Veronika. Según las crónicas de los condes de Celje, Hermann II hizo arrestar a su hijo y mientras estaba prisionero, inició un proceso contra Veronika acusándola de brujería. Veronika fue absuelta por el tribunal. Sin embargo, fue encarcelada en el castillo de Ojstrica y asesinada supuestamente por orden de Hermann II, falleciendo ahogada. Enterraron a Veronika en Braslovče. Años más tarde Federico dispuso que enterraran sus restos en la Cartuja, en el monasterio de Jurklošter y en su memoria hizo una donación en el monasterio de Bistra.
Esa trágica historia de amor ha inspirado obras literarias, teatrales y operísticas, no solo en esloveno sino también en croata, alemán, checo e italiano. Incluso utilizan el nombre de Veronika para un Premio de Poesía en Eslovenia.
La canción “Veronika”, fue elegida para representar a Eslovenia en Eurovisión 2024, por la emisora nacional eslovena TV Slovenija basándose en los votos contados de un panel internacional de expertos. "Veronika" fue una de las tres primeras canciones que Raiven creó para su EP estando involucrada tanto en la composición como en la producción. Tardaron 6 meses en crear la canción y originalmente se compuso para el EP Sirene, no para Eurovisión. La canción y su videoclip se estrenó durante un programa titulado Misija Malmö, donde Raiven interpretó varias canciones junto a varios invitados.
Bojan Cvjetićanin , el vocalista de la banda eslovena Joker Out que representó a Eslovenia en Eurovisión 2023 hizo una aportación en la letra de "Veronika". Al respecto de esa colaboración, Raiven contó lo siguiente:
"Bojan es un gran amigo mío. Hablamos mucho de música y estuvimos hablando de colaborar durante un tiempo. Entró en escena cuando la canción casi estaba terminada y agregó esa parte de gancho “Jaz sem. Ti si. Veronika”, que ahora es una de mis partes favoritas de la canción, y la del público también. Fue muy natural, vino a mi casa, escuchó la canción y empezó a cantar “Jaz sem. Ti si. Veronika” mientras tocaba la guitarra y se sintió bien".
Las palabras "Jaz sem. Ti si. Veronika" significan "Soy. Eres. Veronika". Se trata de un momento emotivo en el que todos podemos sentirnos partícipes en la canción y empatizar con la historia. Además es la parte que resulta más pegadiza.
Podemos esperar una atmósfera oscura y especial en su actuación sobre el escenario de Eurovisión donde nos sumergiremos en la leyenda eslovena de Veronika.
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